La Orquesta de UniNorte presenta el
V Festival de Música Barroca de Asunción
La Orquesta de la Universidad del Norte, por quinto año consecutivo presenta el Festival de Música Barroca de Asunción , bajo la dirección artística del Maestro Diego Sánchez Haase , uno de los más importantes estudiosos de la música barroca.
CONCIERTOS : El acceso a los dos primeros conciertos del Festival, será libre y GRATUITO. Para el concierto Clausura, en cambio, las ENTRADAS cuestan Gs. 10.000 en PARAISO y Gs. 15.000 en el RESTO de las ubicaciones. Informes y venta: Librería UniNorte, Juan de Salazar 551 c/ Boquerón, Tel. 204168. Horario de atención: de lunes a viernes de 8 a 17 hs; Sábados de 8:30 a 11:30 hs.
JORNADAS DE MUSICOLOGÍA : La participación tiene un costo de Gs. 50.000.
CLASES MAGISTRALES DE DIRECCIÓN ORQUESTAL : La participación cuesta Gs. 100.000 para alumnos ACTIVOS y Gs. 50.000 para alumnos OYENTES. El pago del arancel, habilita también para participar de las Jornadas de Musicología sin costo adicional.
Las inscripciones para las Jornadas de Musicología y Clases Magistrales de Dirección Orquestal, pueden hacerse con la Lic. Lucia Diez Pérez o con la Srta. Liz Meza, de lunes a viernes de 9 a 17 hs, en la sede de Educación Continua, Brasil 141 c/ Mcal. López. Tel.: 204235 /203576.
CALENDARIO DEL FESTIVAL
Concierto Inaugural:
Domingo 9 de marzo – 19:00 hs , Iglesia Mennonita Concordia
BACH: ORATORIO DE LA ASCENSIÓN , BWV 11
PROGRAMA
J. S. Bach: “Lobet Gott in Seinen Reichen”
Oratorio de la Ascensión , BWV 11
· Coro
· Recitativo (Evangelista)
· Aria (Contralto)
· Recitativo (Evangelista)
· Coral
· Recitativo (Tenor y Bajo)
· Recitativo (Alto)
· Recitativo (Tenor)
· Aria (Soprano)
· Coral
Coro Bach de Asunción
Solistas: Alba Alvarez, soprano.
Yennifer Talavera, contralto.
David Neufeld, tenor.
Juan Angel Mozón, bajo.
Clases magistrales de Dirección Orquestal
a cargo del maestro Diego Sánchez Haase
Lunes 10 a Viernes 14 de marzo - 10 a 13 hs, Auditorio del Amba'y (Brasil 141 c/ Mcal. López)
Jornadas de Musicología:
Martes 11 y miércoles 12 de marzo – 20 a 21 hs, Auditorio del Amba´y (Brasil 141 c/ Mcal. López)
Segundo Concierto:
Jueves 13 de marzo – 20, Auditorio del Amba´y (Brasil 141 c/ Mcal. López)
MÚSICA COLONIAL IBEROAMERICANA
PROGRAMA
Anónimo, del Archivo Musical de Moxos (Bolivia): Folías, para dos violines y contínuo.
· Allegro
· Largo
· Allegro
Canto Guaraní, Anónimo:
Tupâsy María, para soprano y cuerdas.
Solista: Jessica Bogado, soprano.
Anónimo, del Archivo Musical de Chiquitos (Bolivia). Sonata
Manoel Dias de Oliveira (c 1735 -1813). Missa Abreviada
1 – Kyrie
2 – Gloria
3 – Domine Deus
4 – Qui tollis
5 – Quoniam
§ 6 – Cum Sancto Spiritu
Coro Bach de Asunción
Concierto Clausura:
Sábado 15 de marzo – 20:30 hs , Teatro Municipal de Asunción (Pdte. Franco e/ Chile y Alberdi)
LOS GRANDES MAESTROS DEL BARROCO UNIVERSAL
PROGRAMA
1º Parte.
Suite Da The Fairy Queen. Henry Purcell
· Prelude (Andante)
· Entry Dance
· Hornpipe
· Dance for the Fairies
· Chaconne
Antonio Vivaldi
Concierto en Si b mayor para Fagot y Cuerdas
“ La Notte ” RV. 501
· Largo
· Presto. “I Fantasmi”
· Presto
· Adagio
· Largo “Il Sonno”
· Allegro “Sorge I'Aurora”
Solista: Facundo Cantero, fagot.
2º Parte.
Suite Orquestal n. 1. BWV 1066. J. S. Bach.
· Ouverture
· Courante
· Gavotte I alternativement
· Gavotte II
· Forlane
· Menuet I alternativement
· Menuet II
· Bourrée I alternativement
· Bourrée II
· Passepied I alternativement
· Passepied II
INFORMACIÓN AMPLIATORIA
LA OBRA DE JOHANN SEBASTIAN BACH:
Con excepción de la ópera, género para el cual no compuso ninguna partitura, todas las demás formas musicales fueron abordadas por Bach. La música occidental debe gran parte de su evolución al talento de este compositor. El extenso catálogo de su producción (el “Bachs Werke Verzeichnis”, abreviado “BWV”) está formado por 1087 composiciones.
Con todo, hacia finales de su vida su música no condecía con la moda de la época, y durante casi ochenta años su obra fue olvidada. Fue gracias a la labor del compositor Felix Mendelssohn (1809-1847) que renació el interés por Bach, tras una audición de la “Pasión según San Mateo” que aquél preparó en 1829. De todas maneras, el florecimiento del Romanticismo hizo que se distorsionara en gran medida la interpretación de sus obras. Es recién en el siglo XX, tras las investigaciones del médico y musicólogo Albert Schweitzer, que se han establecido principios interpretativos más acordes al estilo de su época.
Bach fue capaz de comprender y emplear cualquier forma y recurso musical del Barroco. Combinó esquemas rítmicos de origen flamenco, francés, italiano, inglés. Y llevó a la cima el arte del contrapunto alemán. Estudiando las líneas melódicas de cualquier composición polifónica ajena, por compleja que fuera, Bach podía transcribirla con maestría para un solo instrumento. Pero su importancia no sólo radicó en sus dotes técnicas, sino en la calidad de la música que compuso, en especial en el profundo sentimiento religioso que transmiten sus obras corales.
La mayoría de las cantatas se inician con una sección de coro y orquesta, a ella sigue una alternancia de recitativos y arias para voces solistas y acompañamiento, y concluyen con un coral basado en un simple himno luterano La música está siempre muy ligada al texto, y lo ennoblece con su expresividad e intensidad espiritual. Entre estas obras destacan la Cantata de la Ascensión y el Oratorio de Navidad, formado este último por seis cantatas. Las Pasiones según san Juan y según san Mateo también están escritas durante el periodo de su estancia en Leipzig, al igual que su magnífica Misa en si menor. Entre las obras para teclado compuestas durante este periodo destacan las famosas Variaciones Goldberg, el segundo libro del Clave bien temperado y el Arte de la fuga, magnífica demostración de su conocimiento contrapuntístico, formada por 16 fugas y cuatro cánones, todos sustentados en el mismo tema.
Las cantatas fueron compuestas para ser interpretadas en Leipzig el día de la Ascensión en 1724 (BWV 37), 1725 (BWV 128), 1726 (BWV 43) y 1735 (BWV 11). En realidad la última obra, aun siendo similar en estilo y estructura a una cantata religiosa, fue calificada por Bach como oratorio, quizás porque sus recitativos están compuestos por versículos bíblicos, narrados por un tenor en el papel de evangelista.
El Oratorio de la Ascensión es la principal obra del disco. Sus rasgos más sobresalientes son dos espléndidos coros ceremoniales y un par de llamativas arias: "Jesu, deine Gnadenblicke", que omite el continuo para simbolizar la ascensión de Cristo, y "Ach, bleibe doch", reelaborada más tarde por Bach como Agnus Dei de su Misa en si menor. Esta última aria, que evoca una gran tristeza, podría resultar extraña en una cantata que, por lo demás, es festiva pero, según Ruth Tatlow en sus notas, al poner música a versos como "Tu marcha y temprana separación / me causan una inmensa pena", Bach quizás expresaba su tristeza por las muertes de cinco de sus hijos en los nueve años anteriores.
Cantata
Literalmente, «cantata» es una pieza que se canta y se distingue de la pieza para ser tocada o «sonada» en acontecimientos católicos (la «sonata»). Desde la época barroca, la cantata es una composición para una o más voces solistas que se acompañan de instrumentos. Normalmente, las cantatas se crearon para ritos religiosos, tanto católicos (las cantatas sacras) como protestantes. Esas cantatas tenían una parte oral muy consistente, destinadas a ser cantadas por los feligreses. El gran maestro de la cantata religiosa fue Johann Sebastian Bach . Las cantatas de bach tenían un coro inicial en que los sopranos iniciaban el tema musical seguido por las otras voces; se sucedía por medio de arias con recitativos cortos, a veces con instrumentos solistas que tocaban la melodía preparada para la voz (es lo que se denomina obligato). La congregación de fieles conocía los corales de antemano, ya que se iniciaba el servicio religioso con un « preludio coral » que tocaba el órgano. Estos corales de Bach fueron la base de los coros de los grandes oratorios, como el oratorio de Navidad y las Pasiones según San Mateo y san Juan. Pero en la época barroca también existe la cantata profana, de origen italiano , que en 1620 aparece ya como género y que se consolida a finales del siglo XVII. Alessandro Scarlatti compuso cantatas por medio de una sucesión de recitativos con tiempo rápido y arias da capo (que repetía el tema del inicio en la última parte vocal según la estructura A-B-A). Scarlatti concibió estas cantatas para un público culto y muy selecto, por lo que la armonía y las melodías contrapuntísticas resultaban complejas, tendiendo a no acentuar en demasía la escritura en arioso para conceder más importancia a los ritornelli instrumentales. Este modelo fue magistralmente adoptado por Vivaldi en las cantatas sacras y por Händel . Händel compuso cantatas que eran como pequeñas óperas. Eran cantatas líricas de alto contenido dramático, algunas concebidas para voz y bajo continuo; otras para voz, bajo continuo y orquesta. Destacaron Acis, Galatea y Polifermo y Apolo y Dafne y los españoles Pepe Herrero y Carlos Prieto
Entre los compositores que escribieron este tipo de obras destacan los italianos Giulio Caccini , Claudio Monteverdi , Jacopo Peri , Alessandro Scarlatti , Vivaldi y Giacomo Carissimi y los alemanes Heinrich Schütz , Georg Philipp Telemann , Händel Dietrich Buxtehude y Johann Sebastian Bach .
Las 1127 obras del catálogo BWV de Johann Sebastian Bach se agrupan en dos grandes secciones: primero, la música vocal (del 1 al 524), y después la música instrumental (del 525 al 1127). A su vez, dentro de cada una de estas dos divisiones, las obras se agrupan por géneros, y no por fecha de composición.
Música Colonial Iberoamericana
La música colonial iberoamericana es la música que se escuchó en América hispana y portuguesa durante los siglos XVI al XVIII y comienzos del XIX. El repertorio que circulaba en estas tierras era de dos tipos y se les denominaba música secular y música religiosa , siendo esta última de la cual se conservan mayor cantidad de manuscritos en los archivos musicales de América del Sur .
Una parte importante de la música del nuevo mundo provenía de Europa, especialmente de España; la otra parte era creada íntegramente en suelo americano, para las diversas ocasiones sociales y religiosas. Con el paso de los años, esta música fue empapándose de rasgos estéticos y sonoros propiamente autóctonos, lo que le confirió un carácter americano inconfundible.
Durante este período de tiempo se desatacaron un conjunto de compositores coloniales , la mayoría de ellos provenientes de los distintos virreinatos –especialmente del Perú- o directamente venidos desde España o Italia. Todos ellos ejercían su actividad como compositores independientes o bien como maestros de capilla en las diversas iglesias de las órdenes religiosas asentadas en el país, especialmente en el templo mayor de Chile, la catedral de Santiago . El más destacado de todos ellos fue José de Campderrós (c. 1750- c. 1811), quien ha sido considerado por el padre de la historiografía musical chilena, Eugenio Pereira Salas , como el más relevante creador de la colonia.
El estilo del repertorio interpretado en Iberoamérica varió según los siglos. En el siglo XVI se nutrió de la polifonía española del renacimiento y de la escuela franco-flamenca de música, la que se mantuvo en contacto con España debido a su vasto imperio e importante presencia de capillas musicales. En los siglos XVII y XVIII el estilo conservó el aspecto renacentista, pero introdujo además la música del Barroco, muy influenciada por el arte italiano aunque siempre manteniendo, un carácter propiamente español.
El fin último de la composición y recreación de la música fue la evangelización de los naturales, aprovechándose para ello las festividades religiosas , que acrecentaban la dominación ideológica, particularmente en aquellas zonas donde peregrinaban decenas de misioneros provenientes de diversas partes de Europa.
Esta música, llamada a veces música antigua de Iberoamérica o música virreinal, es hoy considerada uno de los más importantes legados dejados por el proceso de colonización y sincretismo ocurrido entre estas dos culturas, convirtiéndose en un hito fundamental de la memoria y el patrimonio cultural americano, revivido en cada interpretación musical de un repertorio que se ha mantenido latente por siglos.
Música secular
Al comienzo de la colonia en hispanoamérica, la música secular, también llamada música profana, circuló en forma independiente de la música religiosa y autóctona. Sin embargo, ya entrada la segunda mitad del siglo XVII, la música sacra fue integrando lentamente los elementos profanos presentes en lo popular, produciéndose así un proceso de enriquecimiento mutuo, el que se complementó posteriormente con la influencia de la música para el baile (danzas) y el género narrativo del romance cantado.
La música secular del período estuvo compuesta por villancicos, música dramática, arias, rorros y tonadas. Los villancicos son canciones de navidad que poseen una estructura formal definida y se interpretan en momentos específicos del año, razón por la cual se encuentran villancicos de Navidad, a la Virgen , de Corpus Christi, al Santísimo Sacramento, a la Ascensión , a los santos, juguetes (musicales), villancicos de negros, jocosos, de baile y de gitanos.
En cuanto a los otros tipos de música, su función social y naturaleza musical es totalmente diferente. La música dramática es aquella vinculada a la escena, mientras que las arias son fragmentos de música influenciados por el estilo musical operístico, género mayor de la música docta, e interpretados comúnmente por un solista. Finalmente, el rorró es una canción de cuna y la tonada, género chileno por excelencia, una canción folclórica derivada de formas arábigo-andaluzas, introducidas en Chile durante la conquista. |
